Va Fa Napoli Italian Tour & Subculture Localities Vienna 12.03.2024, Francisco Valenca Vaz. Va Fa Napoli | Photo: Davide Miniussi @davideminiussi | Astro Club, Pordenone, 2023. In March 2023 the Viennese band Va Fa Napoli published their first and self-released EP, including five songs with references to Mid-west Emo, Punk, Hardcore, and other genres. The EP has characteristics related to freshness, solace and nostalgia, comparable to the things I used to hear as a teenager. Some songs supported a feeling of belonging; while hearing four vocals at the same time, I felt as if I could be part of the group. Other arrangements remembered me of Modern Baseball, The Hotelier or American Football. For a moment, their music reinforces my insecurities of getting old, remembering sensations I used to have, opening possibilities to rethink new and older aesthetics in the present. Also, growing up in Brazil only allowed me to relate to these music genres through television, internet, sounds and videoclips. In October 2023 I accompanied three performances by Va Fa Napoli, while playing together with my band Trauma Glow. Promoting their new EP, the band played eight concerts in Italy. Conflicted with my impressions driving back from Pordenone to Vienna, I found myself comparing the Austrian scene with the Italian one. I spoke with Jonas from Va Fa Napoli to discuss their music and loudness during his worktime in a library, a place of silence and reading. I had this funny thought that maybe it is only through this stillness that he is able to write new songs. We started our conversation about why Emo, Grunge, Shoegaze are coming back again. J: I think on a wider perspective guitar music is probably doing better the last couple years. Hardcore, Emo and so on, have always been there but now with a new generation growing up on huge bands like Turnstile or whatever, they are getting into the subculture as well and shows are almost everywhere crowded these days. I presume young people dancing to American Football on tiktok contributes something as well and now that generation can experience the real deal. When we played in Klagenfurt, we heard that it was the first concert for a lot of kids, which is kind of cool to play stuff like that. Just hope they will stick around. Shout out to the internet but please get off the Internet. F: Can you still remember your first concert? J: Unsure but I would guess The Offspring when I was 11 or 12. F: Maybe nostalgia is one of the magnets. In your first EP there are different influences, how do you actually start working? J: It varies but most stuff we write collectively in our rehearsal room with some guitar or bass riffs on the table plus we talk a lot about the structure and vibe of a part or song. All four of us share some kind of DIY history and many preferences but at the same time we all draw from various personal backgrounds. Starting an emo band, we were aiming for something catchy, comfy and fun and to stay focused on a sound to be recognizable while keeping it interesting. F: Italy is not the first country Austrian bands have in mind while planning a Tour. I am curious about it, for instance, where did you start? J: That’s true, the usual choice of a next step for Austrian bands is often Germany, since it seems pretty convenient in many aspects like language or already existing contacts. At first, we just joked about touring Italy with that band name and so on but that idea grew on us and the sound we play is quite a thing in Italy. They have a huge history of Emo and Screamo with some legendary bands down there and we decided to try it. I was responsible for most of the booking and started immediately after the EP dropped. And wow, that worked out quite great for us. I did not expect such a good feedback on all the mails I sent! Everyone in Va Fa Napoli has toured before but pretty unanimously everyone was sure about this one being on a totally other level. The shows were wild and we met so many kind and giving people, some of them I can consider my friends now. We played with a ton of great newer bands like Stegosauro, Bulgarelli, Monteluna or F4, just to name a few. Often, we were told that there aren’t many bands touring Italy besides some parts of the north, but we were going quite south in what were all together 10 days. We also shared a stage with the legendary Raein in Napoli. It was some Halloween gathering at an amazing place called Scugnizzo Liberato, a huge building in the city center with its own football field, art or workshop spaces, apartments and other stuff. Never before we have played in front of so many people - the called out numbers varied from person to person but I think there must have been around 600-700. It was quite the experience since the audience was really motivated and kept dancing, stagediving or even singing along to this silly little band from Austria. Because of the Halloween-thing many came in costume and whenever I think of that show I just see this huge bear in the first rows with some sick psychedelic dance moves. I hope that guy is still living his best life! F: In Pordenone when we played together, I overheard that some people have travelled from other cities to see you perform, some even went to two different venues. Do you think this could have been similar in Austria? J: We were amazed by that as well! I think Austria is just different than Italy, geographically compared. Italy has a lot of shows going on in the north with some mid-sized cities and they’re not that far apart. In Austria it is probably more focused on the few bigger cities and after all most of the times it just comes down to Vienna. F: A lot of starting bands wish to organize a tour like you did. There are a lot of different strategies and possible issues, for instance how did you actually finance it? J: I am booking, promoting and hosting DIY shows in Vienna myself so that definitely helped when it came to booking this tour. Focusing on promoters who “get it”, who “get us”, the sound, the vibe, the scene, was really important to us and I think that’s half the deal. Those interested people will always take good care of you and they are giving their utmost best to organize a great show for everyone involved. That really worked out great for us and after selling quite the amount of merch we were definitely fine on finance. - At one show we wanted to split some of our money with the cool local supporting band but they told us to “Take a gelato!” and it became an oftenquoted catchphrase in the tour van. I think that comfy phrase really captures a lot of our experience being on tour in Italy. F: What about SKE and other government-oriented support? J: Nah thanks, this is a punk band. F: After this tour, how are your next plans in Vienna? J: We are focusing on writing songs for a future release and want to take our time with it. But we might play a show here and there! Touring in Italy gave us a lot as a band and we’re looking forward to more adjacent moments. Attached to Jonas experiences, I called Hanna from Pordenone, she is part of Cielo Perso DIY Collective, together with Davide Miniussi and Valentina Corocher. Since the last two years, they have been working with bands like Ojne, Lantern, Flowers and Shelters, Reverie, Malerbae, and Futbolin, also hosting our concert with Va Fa Napoli. Reaching out to her, I wished to understand more about how smaller collectives act and shape an independent scene. Photo: Davide Miniussi | Astro Club, Pordenone, 2023. H: Va Fa Napoli did a pretty good campaign about their new album and a friend of mine recommended them. Our Pordenone concert had a lot of guests but we were anxious because of a red alert about a storm, the schools were closed and the center was empty. Fortunately! The weather got better and we had a lot of guests. In the crowd I recognized some people I already knew, but there were younger and new faces as well. The whole Italian scene is quite active, which makes it easier to find out about concerts, and people are eager to travel to attend them as well. I am, myself, one of these people that for instance just jumps into a train to Milan, which is only four hours from my home. We have right now so many talented artists in Italy and it’s always worth seeing them. F: How do people get informed about your concerts and how connected are these kinds of venues? H: Through social media it is easy to find out what is happening. We mostly promoted the event through that, as well as posters around the city. Italy also has systems like Arci which is a membership card. You pay once a year something between 10 to 15 € and are able to visit different concerts exclusively for cardholders. It gives you basically access to all Arci events even in the smaller DIY venues. For example, Astro where you played in Pordenone, uses their own independent card. Those cards are very important as they help to finance DIY projects and smaller events. Hanna, Cielo Perso Collective | 2024 F: That´s quite interesting, I don´t think there is something like that in Austria or in Germany. Why did you focus that evening on Emo? H: Music comes in waves, there was the Punk, Hardcore, and I think right now the scene has also renewed its interest into Emo. People are in a nostalgic way rediscovering it, and others are hearing it for the first time. F: How did your collective finance our evening? H: The club invested in the evening and fortunately we didn’t have any money issues, we could pay the bar, the bands and didn´t lose any money. Especially because of weather conditions, a lot of people even drove one to two hours to get there as I was telling you before. F: Pordenone is not big, and small cities in the country side can be quite conservative. Did you ever had any bad experiences, like people calling the police or somehow annoying the events? H: That night nobody called the police as everything was legally organized, from that point of view there is no risk and Astro club will not go above its loudness limits. Fascists and right-wing people are not very welcomed and we fortunately didn´t have any issues. But other associations in the past had. Pordenone, generally Italy, is rightoriented. It’s very important for us to share common values, we want to create a safe space where you find your friends, you know, you would be moved away if you harassed anyone. F: What stays in the city after the concerts? H: Although the concerts are gone after one night, the connection with people remains. Your friends stay and that´s why you want to repeat it. You have this sense of reconnection with other people, and you feel less alone, as a lot of other people like the music you like. I have been attending events and participating even more, maybe in the last two years because of that. The more concerts you go to, the more people you know. For me it is just about this wholesome feeling that I have to meet my close ones. Common sense of sharing. Meanwhile in the south of Italy, as Jonas mentioned; Va Fa Napoli also played in an event from the collective Napoli Direzione Opposta (NaDir) in Naples. I talked with JD, one of its members. Their collective is not only involved in different social programs, but built a concept that helps new musicians to merge, creating and giving them space to perform. Napoli Direzione Opposta, Scugnizzo Liberato | Photo: Guglielmo verrienti @guglielmoverrienti | 2022. F: How and when did your collective start? JD: NaDir started in 2016 as an independent music festival. Its agenda wasn't very political as it turned up to be after its settlement. We are based in the Scugnizzo Liberato, an occupied space recognized by the city of Naples four years ago. NaDir stands literally for Napoli Direzione Opposta (Napoli Opposite Direction). With that we wish to go in the opposite direction and book bands that aren't being booked by the main venues and give them dignity. There are small venues you can play as a beginner musician which aren't good for the artists, and we believed everybody should play on a good stage with professional equipment. Dealing with this difficult, we have an ongoing project called Gravità 0 (Zero Gravity) where we allow new projects from very smalls groups to come and all the entry money in these evenings is completely given to the artists. It is a kind of volunteering for music. We support social problematics, we have a table called Nessuno Escluso (like everyone welcome, none excluded) every week, which gives food for homeless people. We also have English classes for children who can't afford it, different workshops: ceramics, basketball. It has a gym, a soccer field, and the money coming from these activities is used to keep the building alive. The actual recognition is still in a gray area. Nowadays the space is totally independent and organized through volunteering. Basically, never winning or losing any money, we just try to make everything fit. F: I believe it is comparable to the Ernst-Kirchweger-Haus in Vienna. Which difficulties did you have while establishing an occupied space? JD: We are very lucky that Naples, or actually the hole south is in a way different then the north. The south is less controlled. The space was occupied eight years ago, the first collective participants broke into the building and slept in it for a month or so, and the past major wanted to kick them out. But thanks to Luigi de Magistris (Naples major between 2011 until 2021) seven to eight communities and occupations were legally recognized. Since then we haven't changed and the people are the same. Now we are using the government funding only for structure issues. Naples has a lot of problems for space and midsized concerts. Buildings don't have large rooms, you can only play in a tiny bar or in a really big arena. Our building has a theater founded by Eduardo De Filippo, a famous author and actor, which was only founded because the Scugnizzo used to be a juvenile detention center that was used for the detainee’s education. F: It is really interesting to think about how spaces can change with time. From a detention center to a concert space… How are your plans for the next years? JD: For the future, we have a series of fixed activities but since the space has to be closed for the structure work, we do intend to continue the activities in other places; keep it going. After 8 years, it is literally part of the community, which is mostly Punk, DIY and amateur bands. Va Fa Napoli | Milano, 2023 | Photograph: Luca Secchi oni_bakuu. Gluing together Jonas performer perspective; Hannah´s production in offside places, as well JD´s political engagement and statements, they shape the landscape of this article. Through social ideals and choices, they generate a space for musical growth as well a cultural economy. These interviews may reinforce that the development of musical subgenres is less dependent on streaming platforms than compared to other kinds of music. It is more based on localities and individuals, being a product of plural desires and methods of collaboration, simultaneously influencing each other. Capital is small and our artists do not mainly exist from these activities. This precarity builds certain neutrality over capital extraction, as there is no form of music unrelated to capital currency. Not producing music as a main income, can have a concrete effect over its production. At the same time, subcultural music genres often find consistent support from privileged youth. These individuals not only contribute to trends but also shape the fashion associated with these genres, creating consumption patterns that influence other youths. A striking example is the trajectory of Grunge, originating as a social activist movement in 1980s Seattle and evolving into a mainstream cultural phenomenon in the 90s.Therefore, the economical precarities related to DIY primarily prevent music production in its beginning to already be influenced by consumerism. This economic factor shapes a scene grounded in collaboration, rejecting the notion of a singular genius. Nobody is really interested on that. In line with Brian Eno's concept of "Scenius,": we can only be better working together. Subculture also relies on circular influences, as the epicenter of western subgenres of music is strongly influenced by the Anglosphere, afterwards spreading to other continents. This is caused by an American music industry, able to canon its own products, recently losing its power through the democratization of internet access, making music communities and subgenres more plural. Therefore today, these influences can navigate easier between opposing directions: local music developments and the influences of intercontinental music streaming platforms. This paper didn´t manage to focus on the returning of Emo. It mostly elaborates on infrastructures that influences the return of subgenres of music. The revival of Emo, is a multifaceted phenomenon with various intersecting factors, which I am freely, poetically and irresponsibly relating to the realization of false capitalistic promises and hedonistic behavior in the context of the environmental crisis, things we weren´t completely aware of in the 2000s. For me, Emo is more relatable today than during its beginnings in American white boy minority suburbs. It is now more linked to a form of rescue, comfort and nostalgia, at the same time prisoned in modernity. Which might additionally explain why in its core, Emo and Goth are nowadays more relatable to a youth than Punk. While Punk embodies a spirit of rebellion, Emo is fatalistic, more incorporable into perspectives on modernity over a nihilistic future. Emo also supported an extremely needed development on gender identities. What was in the late 2000s seen as an “emo masculinity crisis” could nowadays be read as an attempt to deconstruct male standards within mainstream media. Maybe this is what I feel while hearing Emo again, enjoying it with a layer of pain and clarity. As like other music genres, it moves between time, starting here but ending there, a malleable form going through narratives, space, countries, keeping something to be determined as its essences, but occasionally breaking it and surprising our ears along the way. Editorial recommendations: Futbolín, French Fries: https://open.spotify.com/intlde/track/2J9VC8U1MqevcBxDe0N5TX?si=1bcb755fc1c84757 Stegosauro, Song: Buonanotte Raga: https://open.spotify.com/intlde/track/7FpgTQS4ucrjSeoUUlWz5G?si=f3718678a5de4c72 Monteluna, Song: CTBP: https://open.spotify.com/intlde/track/4Arx3wpT3Omi37gjEw4ghL?si=932337ceeafc43e5 Nailhead Magazine INSTAGRAM Author: Francisco Valenca Vaz.

Ein aufregendes neues Talent präsentiert sich der Musikszene - .bozo, wohnhaft in Wien. Mit seiner ersten EP "a story about", die sieben Songs und eine Spielzeit von 23 Minuten umfasst, hat er ein echt gutes Stück erschaffen. Die EP ist am 25.10.2023 erschienen, enthält sowohl deutsche als auch englische Songs und wird über das Independent Label "New Basement" aus München veröffentlicht. Darüber hinaus begleiten zwei beeindruckende Musikvideos die Veröffentlichung. Seine Musik ist geprägt von maschinell elektronischen Drums, ätherischen Synthesizern, eingängigen Gitarrenriffs, melancholischen Melodien und tiefgründigen Texten. Mit seinem markanten Stil, leichter „Internet Ästhetik“ wie er es selbst beschreibt und seiner außergewöhnlichen Stimme zieht er Hörerinnen und Hörer in seinen Bann. Die EP, mit dem Titel „a story about“, verspricht eine vielseitige Sammlung von Songs zu sein. Von energiegeladenen Tracks bis hin zu balladenartigen Songs bietet .bozo eine breite Palette an Emotionen. Die Kombination aus deutschen und englischen Texten ermöglicht es ihm, verschiedene Facetten seines künstlerischen Ausdrucks zu präsentieren. Neben der EP hat .bozo auch zwei beeindruckende Musikvideos veröffentlicht. Diese visuellen Ergänzungen bieten einen Einblick in die kreative Vision des Künstlers und verstärken die emotionale Wirkung seiner Musik. Die Videos fangen die Stimmung der Songs perfekt ein. .bozo ist zweifellos ein aufstrebender Musiker, der mit seinem einzigartigen Sound die Musikszene bereichert. Mit seiner ersten EP und den begleitenden Musikvideos hat er bereits stark angefangen und wir sind gespannt auf seine zukünftigen Veröffentlichungen, hoffen ihn und seine Songs mal live auf der Bühne zu sehen und können es kaum erwarten, mehr von .bozo zu hören. Bis zum nächsten Mal, euer Constantin! BANDCAMP .BOZO Nailhead Magazine INSTAGRAM Author: Constantin Jacobs Photo: Collage by Constantin Jacobs -> Original .bozo| Other photos by .bozo

Am 11.11.2022 pünktlich zu beginn der närrischen Faschingszeit veröffentlichen Atom Womb ihr erstes Album mit dem Namen Visions. Und dieses Datum ist eigentlich sehr passend, wen man bedenkt, dass die vier Psych-Punks aus Wien sich regelmäßig auf ihren Shows gerne mal in den verrücktesten Kostümen verkleiden. Mal als Rennfahrer oder im traditionellen japanischen Kimono mit Kabuki Theater schminke, oder einfach mal mit orangem Overall im Müllmänner Style. Ich glaube aber nicht, dass Atom Womb Mit Visions einfach nur die Zeit der Narren einläuten wollten, sondern auch dezent darauf hinweisen, dass bei dem Trio die ausgelassene und unbeschwerte Zeit der Eskalation und des Exzess ein Dauerzustand ist. Diesen Eindruck bekomme ich jedenfalls gleich zu Beginn beim Anhören des Albums. Denn Track Nummer eins mit dem Namen Psycho startet schon sehr ausgelassen mit einem leichten Hauch von Eskalation. Ein richtig schöner Start in dieses gelungene Album. Dann aber wird mit Track Nummer zwei schon wieder Tempo rausgenommen, denn Lethal Woman kommt mit einem sehr entspannten Grove daher und lädt zum zurücklehnen und Kopfnicken ein. Dieser auffällige unterschied zwischen den ersten beiden Songs lässt schon ein bisschen erahnen was für ein weit gefächertes Spektrum an Einflüssen Atom Womb in Visions geschafft haben unterzubringen. Das hört man auch bei Camino Del Sol, der genauso entspannt aber auch irgendwie hypnotisch ist. Es hört sich für mich sowieso so an als wäre das Zusammenspiel der Instrumente bei dieser Band so ausgeglichen und die vier Musiker so gut aufeinander eingespielt, dass es ein wahrer Genuss ist sich dieses Album anzuhören. Jedes Instrument findet hier seinen Platz ohne im Vordergrund zu stehen. Ob es nun der Bass ist, der mit melodischen und hypnotischen wiederholenden Lines sanft und dennoch fesselnd dahin stampft. Oder die Gitarre die innerhalb kürzester Zeit von dezenter Begleitung zu massiver Soundkeule eskaliert. Und natürlich sind da noch die Drums, die diesen vielseitigen Sound, der sich manchmal fast anhört wie eine improvisierte Jamsession, im Rahmen hält und mit perfekt getimten Beats und ganz viel Gefühl, wie in einem Römischen Streitwagen Gitarre und Bass wie zwei Wilde vorantreibt. Bei Track Nummer vier Perversion scheint es so, als würde das Schlagzeug ständig versuchen die anderen Instrumente im Zaum zu halten. Damit wird eine wahnsinnig hohe Spannung aufgebaut, bis diese gegen Ende gelöst wird und nach einem richtig bösen Break der Song dann, wie mit einem Feuerwerk beendet wird. Teenage Hope, der mit diesem schönen krachenden Bass alleine schon eine markante Nummer ist, werden sogar spanische Vocals zum Besten gegeben, wenn ich das richtig rausgehört habe. Und dann kommt mit Inside Dreams auch schon mein persönlicher Favorit von Visions. Dieser Song hat irgendwie Filmmusik-Feeling wie ich finde. Inside Dreams könnte ich mir richtig gut bei einer Szene eines Quentin Tarantino Western vorstellen. Wieder wahnsinnig gefühlvoll und doch so staubig und fuzzy gegen Ende. Mit Lullaby For A Lost Soul wird es dann noch einmal richtig psychedelisch. Hier kommt sogar eine Violine zum Einsatz und gemeinsam mit dem angenehm ruhigen Gitarrenklängen wird hier wieder einen Gang zurückgeschaltet und vom Fuzzy-Trip wieder in den Hypnotic-Psych Modus geschaltet. Und zu guter Letzt verabschieden sich Atom Womb dann mit dem Track FIN von den Zuhörer*innen. Visions könnt ihr euch natürlich wie gewohnt auf allen Streamingplattformen anhören, ich würde euch aber empfehlen eine der auf hundert Stück limitierten 12 Inch crystallo Vinyls zu ergattern. Für Visions und den vielseitigen und künstlerischen Sound gibt es von mir vier von fünf Nägel. Bis zum nächsten Mal Manu! LINKS ATOM WOMB Nailhead Magazine INSTAGRAM Author: Manuel Krassnig Photo: Collage by Constantin Jacobs - Original by @herrbrot666 | Other photos by Luca Celine

Heute haben wir wieder einmal ein richtig feines Album von einer besonderen Band, das wir euch wirklich ans Herz legen möchten. Diese Band heißt Bad Weed, die am 3.3.2023 ihr neues fantastisches Album mit dem Titel „II“ veröffentlichten. Ich kann wohl davon ausgehen, dass Bad Weed schon vielen unserer Leser*innen durchaus bekannt ist. Aber für die, die noch nichts von dem charmanten Trio aus Wien gehört haben, sollten das jetzt gleich mal nachholen. Denn bereits im Jahr 2012 gründen die drei Freunde die Band und veröffentlichen zwei Jahre später das erste Demo mit fünf knackigen Power-Pop Songs. Kurz darauf folgte via Bachelor Records schon die Hillside EP. Nach dem dann einige Zeit vergehen musste, bevor Bad Weed wieder mit einem neuen Release die Herzen der Power-Pop und Garage Fans höherschlagen ließen, kommt 2019 via Siluh Records dann endlich das erste Album. Mit diesem Album knüpft die Band nahtlos an die vorherigen Veröffentlichungen an und begeistern wie zuvor schon mit einem frechen und einprägsamen Sound, der sich mit catchy Ohrwürmern in den Köpfen der Hörer*innen festsetzt. Nun musste wieder einiges an Wasser den Bach hinunterfließen bevor die Band im März 2023 ihr zweites Album der Öffentlichkeit preisgibt. Und genau um dieses Album geht es heute. Veröffentlicht wurde „II“ wieder über das Wiener Independent Label Siluh Records, das neben Bad Weed auch noch viele andere großartige Bands vertritt und euch sogar mit dem hauseigenen Plattenladen mit den heißesten Platten der heimischen, aber auch internationalen Szene versorgt. Dort solltet ihr unbedingt mal vorbeischauen und am besten gleich die neue Bad Weed LP kaufen. Aber jetzt hören wir uns das mal an. Die Band bleibt sich und ihrem Sound, der meiner Meinung nach eine Mischung aus frühem 2000er Indie-Punk und rotzigem Power- Pop mit ganz viel Garage im Abgang ist, wieder treu. Was mich besonders freut, denn das neue Album ist wie auch schon die vorherigen Veröffentlichungen geprägt von so eindringlichen und melodischen Gitarrenklängen, die sich fast schon ein wenig kindlich anhören. Was aber auch ein starkes Gefühl von Unbeschwertheit und Leichtigkeit vermittelt und beim Zuhören die Mundwinkel nach oben zieht. Was ich auch sehr cool finde ist, dass hier auch ein Stück Vergangenheit untergebracht wurde. Denn Track Nummer zehn mit dem Titel „Monster“ ist bereits bei den Demos von 2014 auf Bandcamp zu hören. Und Track Nummer sieben ist sogar ein wunderschönes Cover Von „No Place To Fall“ von Townes van Zandt, absoluter Hammer! Es ist schon bemerkenswert was Bad Weed mit ihrem Sound schon an Wiedererkennungswert gewonnen haben. Denn auch wenn sie die Musik nicht neu erfunden haben, und ein Konzept verfolgen, welches es schon so oft gegeben hat, kreieren sie trotzdem einen ganz eigenen und unverkennbaren Sound. Auch die Vocals die manchmal ein wenig unbeholfen wirken aber immer tight sitzen, untermalen die kindliche Spielweise der drei Jungs. Im richtigen Moment dann auch noch mehrstimmig oder mit Background Vocals, das kommt super rüber und hört sich so aufgelockert an. Ein wahrer Hochgenuss zu hören wie Bad Weed auf „II“ so entspannt und freudig dahin musizieren. Mir persönlich gefällt es auch sehr, dass hier auf überflüssige langgezogene Solos und Tempowechsel oder Breaks verzichtet wird und geradlinig kurze und knackige Songs um die Ohren geballert werden. Hier ist sich niemand im Weg, niemand muss zeigen, wie gut man sein Instrument beherrscht und perfekt muss es auch nicht immer sein. Dieses Album ist einfach authentisch und ehrlich. Schlagzeug und Bass wissen ganz genau, was sie machen und legen ein grundsolides Fundament für Songs, die einem sofort in die Füße fahren und zum ausgelassenen Tanzen animieren. Auch wenn die meisten Songs mit ihrem schmuddeligen und frechen Charakter ein starkes Glücksgefühl auslösen, schummeln sich doch manchmal auch leicht schwermütige Texte mitunter. Somit gibt es auf „II“ viele Höhen und Tiefen. Ein paar Songs stimmen mich schon nachdenklich muss ich zugeben. Aber zum Glück haben Bad Weed die Fähigkeit die Hörer*innen immer gut bei Laune zu halten auf diesem schwungvollen Album. Nach guten siebenundzwanzig Minuten ist der Spaß dann wieder vorbei, die dreizehn Songs von denen keiner länger als drei Minuten ist vergehen wie im Flug. Stimmt natürlich, dass die Zeit schneller vergeht, wenn man Spaß hat. Genau das ist es, was ich beim Hören von „II“ empfunden habe. Es macht einfach nur Spaß Bad Weed zuzuhören. Diese Band, sowie dieses Album, begeisterten mich mit dieser Leichtigkeit - Musik einfach zu machen und daran Spaß zu haben. Das kann man auch auf ihren Live-Shows, die ich euch nur wärmstens empfehlen kann, hören und sehen. Es ist jedes Mal ein Hochgenuss die Band live zu sehen, denn live kommt noch eine große Portion Feeling dazu. Also schaut sie euch an, holt euch die Platte im Siluh Record Store oder hört sie euch auf Spotify an. Ich freue mich schon wahnsinnig auf das nächste Album und hoffe, dass ich bis dahin nicht allzu lange warten muss. Ohne lange zu überlegen, gebe ich „II“ von Bad Weed fünf von fünf Nägel. Bis zum nächsten Mal Manu! LINKS BAD WEED Nailhead Magazine INSTAGRAM Author: Manuel Krassnig Photo: Collage by Constantin Jacobs - Original by Martina Lajczak| Photos by Martina Lajczak

Ich war bei Bernhard Kern von Siluh Records im Siluh Laden zu besuch. Bernhard Kern hat mir einige interessante Dinge über das Label, die Entstehung und seiner Person erzählt. Ich befinde mich in der Wallensteinstraße, einer stark frequentierten Straße im 20. Bezirk. Vor mir sehe sich ein großes, von außen, eher unscheinbares Geschäftslokal, durch die Auslage kann ich jedoch schon einige Platten und andere Tonträger erkennen. Gerade als ich den Laden betreten will öffnet sich plötzlich die Türe, vor mir steht Bernhard Kern. Mit einem breiten Grinsen im Gesicht begrüßt mich der Label und Plattenladenbesitzer und bittet mich auf freundlichste Art und Weise rein in sein Paradies, den Siluh Laden. Als eher zurückhaltender Mensch fühlte ich mich selten von Beginn an so willkommen und gut aufgehoben. Die hohe Decke, einige Pflanzen, reichlich Merchandise und vor allem eine große Auswahl an Platten aus den verschiedensten Musikrichtungen, sowohl international als auch lokal, fielen mir beim ersten Blick und Stöbern positiv auf. Mir gefällt besonders die große Auswahl an österreichischen Künstler*innen aus der kleinen Musikszene. „Hier gibt es echt alle coolen Bands“, ist mein erster Gedanke. Nach kurzem Umschauen folge ich ihm durch den Laden. Hinter einer Tür, angrenzend an den Verkaufsbereich, befindet sich das Lager, die Kaffeküche und Chilloutarea, mit einer großen Couch. In der Mitte steht ein Tisch an den ich mich setze, nach kurzem Smalltalk gibt mir Bernhard einen kleinen geschichtlichen Exkurs zu Siluh Records und die Zeit der Gründung: „Siluh Records habe ich 2005 mit meinem guten Freund Robert Stadlober gegründet. Es war eine ziemlich spontane Idee, wir hatten eigentlich nicht wirklich Plan von dem Ganzen. Wir haben einfach versucht gute Musik auf Platte rauszubringen.“ Er erzählt mir auch, dass er damals, noch bevor es die Idee mit dem Label gab, immer wieder Shows in Niederösterreich veranstaltete und den „Mikrobauchladen“, eine Mailorder für Platten führte. Mit Siluh buchte er unterschiedlichste Künstler*innen, 2008 zum Beispiel „Chairlift“ oder „Soap and Skin“ und später 2015, beim Siluh Sommerfest noch vor ihrem Hype, Yung Hurn und Crack Ignaz mit der Hanuschplatzflow-Crew. Auf seinem Laptop zeigt mir Bernhard einige alte Fotos und Videos aus seiner Jugend in St. Pölten, erzählt mir von seinem Interesse an der dort vorhandenen Hardcore-Punkszene und seiner damaligen Deutschrockband „Jugendstil“. „Das war damals eher ein peinliches Rockergehabe, aus heutiger Sicht ist das nicht mehr cool“, meint er als wir uns Livevideos seiner Band vom Frequency in Salzburg ansehen. Auf meine Frage, was die alten Dateien sonst noch in ihm auslösen würden, antwortet er mir: „Ich denke ich kann mit gesunder Distanz auf diese peinliche aber auch irgendwie sehr schöne Zeit zurückblicken.“ Wenn man bedenkt, dass Siluh Records mit einem jungen Bernhard und seinem Freund angefangen hat, als das Lager noch unterm Bett verstaut war und von dem ganzen, großen Musikbusiness noch wenig Ahnung vorhanden war, hat er vermutlich bis heute alles oder zu mindest vieles Richtig gemacht. Denn heute ist Siluh ein 17-jähriges Unternehmen und ist nicht nur ein Record Label, sondern auch ein erfolgreicher Plattenladen mit Onlineshop. (laden.siluh.com) Vielleicht können wir uns alle ein Beispiel daran nehmen, was man erreichen kann wenn man seiner Leidenschaft nachgeht und Durchhaltevermögen an einer Sache zeigt, für die man brennt. Ich, für meinen Teil nehme mir auf jeden Fall einige positive Dinge aus meinem Treffen mit Bernhard Kern von Siluh Records mit nachhause. Und schaut unbedingt mal bei ihm in der Wallensteinstraße vorbei und stöbert ein wenig durchs Sortiment - es lohnt sich! Video and article by Constantin Jacobs Music: Bad Weed - Delete me SILUH https://linktr.ee/Siluh http://www.siluh.com http://twitter.com/#!/siluhrecords http://instagram.com/siluh.records http://soundcloud.com/siluh http://www.youtube.com/user/SiluhRecords NAILHEAD MAGAZINE https://linktr.ee/nailheadmagazine

Hallo Nailheads! Wir hoffen euch allen geht es blendend, ihr seid gesund, genießt den Sommer und euer Leben! Zum Leben gehört natürlich auch Musik, vor allem Live-Musik und deshalb haben wir eine neue Show für euch geplant. Und zwar mit zwei neuen und aufstrebenden Bands aus Wien - TRAUMA GLOW und TOPSY TURVY. Am 19. August 2023 - also schon nächsten Monat - wird dieses Event im Kramladen in Wien stattfinden. Die Location kennen denke ich einige von euch sowieso und auch von unseren letzten Events die meist im Kramladen stattgefunden haben. Der Eintritt vor Ort am Abend kostet € 10,- und wenn ihr euch ein Early Ticket checkt dann zahlt ihr sogar nur € 8,-. Hier gehts zu den Tickets ----> TICKETS Hier kurz noch ein paar Infos zu den Bands. TRAUMA GLOW (AT) Inspiriert von den 90er- und 2000er-Jahren verwebt das Quartett Shoegaze, Emo und Grunge in seinem musikalischen Geflecht und schafft so ein Klangerlebnis, das tiefe Resonanz findet. Emotionale Lautstärke. INSTAGRAM LINKS TOPSY TURVY (AT) Passend zum Namen und dem englischen Sprichwort vereint die Newcomer-Wiener Band Topsy Turvy verschiedene Genres der modernen Szene. Von Surf bis Country entsteht eine neue Art von Punk, die sowohl tanzbar als auch unterhaltsam ist! Topsy Turvy wird durch drei unterschiedliche, aber dennoch harmonische Charaktere illustriert, bestehend aus: Resi (Gitarre), Lena (Schlagzeug) und Vic (Bass), deren unterschiedliche Ideen den besonderen Sound der Songs ausmachen. INSTAGRAM ---------------------------------------------- Wir freuen uns auf euch, euer Nailhead Magazine! Author: Constantin Jacobs - Nailhead Magazine

Die Fans der Punkrock- und Surf-Rock-Szene können sich auf ein außergewöhnliches und ganz besonderes Spektakel freuen, denn am 13. Juni werden die Bands The Chats und Guantanamo Baywatch zum ersten Mal in Österreich spielen und gemeinsam in der Szene Wien gastieren. Dieses mit Spannung erwartete Konzert, präsentiert von Mind Over Matter Music, verspricht einen Abend voller mitreißender Musik, energetischer Performance und pulsierender Atmosphäre. Beginnen wir mit The Chats, einer aufstrebenden Punkrock-Band aus Australien, die in den letzten Jahren für Furore gesorgt hat. Die Band, bestehend aus Josh Hardy (Gesang und Gitarre), Eamon Sandwith (Bass) und Matt Boggis (Schlagzeug), hat sich durch ihren unverwechselbaren rohen Sound und ihre humorvollen, ehrlichen Texte einen Namen gemacht. Ihre Songs wie "Smoko" und "Pub Feed" sind zu regelrechten Hymnen geworden und haben The Chats weltweit bekannt gemacht. Ihr Debütalbum "High Risk Behaviour" erhielt viel Lob und etablierte sie als eine der aufregendsten und erfrischendsten Bands der aktuellen Punkrock-Szene. Ihre Live-Auftritte sind berüchtigt für ihre explosive Energie und die unbändige Begeisterung, die sie in der Menge entfachen. Mit ihrem charakteristischen Mix aus Punk, Garage-Rock und Pub-Rock werden The Chats zweifellos das Publikum mitreißend und richtig anheizen. Als Support Act können wir uns schon wahnsinnig auf Guantanamo Baywatch freuen, eine Surf-Rock-Band aus Portland, Oregon. Diese dreiköpfige Formation, bestehend aus Jason Powell (Gesang und Gitarre), Chevelle Wiseman (Bass) und Chris Michael (Schlagzeug), hat mit ihrem einzigartigen Stil die Aufmerksamkeit der Musikwelt erregt. Mit ihrem rasanten Tempo, den tanzbaren Rhythmen und den eingängigen Gitarrenriffs nehmen sie die Zuhörer*innen mit auf eine musikalische Reise in die sonnenverwöhnte Welt des Surfens und der kalifornischen Strandkultur. Songs wie "Barbacoa" und "Love This Time" haben ihnen eine treue Fangemeinde eingebracht und ihren Ruf als Surf-Rock-Band der neuen Generation gefestigt. Ihre Live- Shows sind bekannt für ihre mitreißende Bühnenpräsenz und die Fähigkeit, das Publikum in einen Zustand ausgelassener Euphorie zu versetzen. Guantanamo Baywatch wird zweifellos eine Welle positiver Energie entfesseln, die das Publikum zum Tanzen und Mitsingen animieren wird. Wenn diese beiden Bands aufeinandertreffen, ist eine musikalische Explosion vorprogrammiert. Das Konzert von The Chats und Guantanamo Baywatch, präsentiert von Mind Over Matter Music, wird eine einzigartige Kombination aus Punkrock, Surf-Rock und energiegeladener Performance bieten. Die Zuschauer*innen können sich auf einen Abend voller wilder Tanzeinlagen, ekstatischer Stimmung und unvergesslicher Momente freuen. Sichert euch lieber schnell eure Tickets, bevor es zu spät ist. Und für alle die an diesem Abend nicht vor Ort sind, macht euch keine Sorgen, denn wir werden für euch einen ausführlichen Konzertberricht schreiben. Wir können es auf jeden Fall kaum noch erwarten. LINKS MIND OVER MATTER MUSIC THE CHATS GUANTANAMO BAYWATCH TICKETS FOR THE CHATS @SZENE WIEN Nailhead Magazine INSTAGRAM FACEBOOK TIKTOK Author: Manuel Krassnig Photos: Promotionpics for The Chats & Guantanamo Baywatch Europe Tour

Ihr habt es höchstwahrscheinlich schon längst alle mitbekommen, aber trotzdem wollen wir euch nicht vorenthalten das am 12. Juli 2023 hoher Besuch in der Arena Wien gastieren wird. Nämlich niemand geringerer als Idles. Die britische Post-Punk Band Idles hat in den letzten Jahren einen beeindruckenden Aufstieg erlebt und sich in der Musikszene einen respektablen Namen gemacht. Bekannt für ihre lebhaften und aufwühlenden Songs sowie ihre explosive Live-Performance, hat die Band eine treue Fangemeinde aufgebaut und Kritiker weltweit begeistert. Arcadia Live und Barracuda Music haben es geschafft Idles im Rahmen ihrer Mega Tour am 12. Juli 2023 auch in der Arena Wien auf die Bühne zu bekommen, was uns natürlich wahnsinnig freut. Idles wurde 2009 in Bristol gegründet und besteht aus Joe Talbot (Gesang), Mark Bowen (Gitarre), Lee Kiernan (Gitarre), Adam Devonshire (Bass) und Jon Beavis (Schlagzeug). Mit ihrem 2017 veröffentlichten Album Brutalism und dem Nachfolger Joy as an Act of Resistance von 2018 haben sie für Furore gesorgt und viele Auszeichnungen abgeräumt. Und auch das Album Ultra Mono von September 2020 sowie Crawler das im November 2021 veröffentlicht wurde, hat die Erwartungen der Fans und Kritiker wieder bei weitem übertroffen. Das Publikum kann sich auf eine Kraftvolle und intensive Performance mit Songs von all diesen grandiosen Alben von Idles freuen, die mit ihrer engagierten und leidenschaftlichen Art für eine unvergessliche Nacht sorgen werden, vor allem weil es auch wieder einer der herrlichen Arena OpenAir Abende sein wird. Frontmann Joe Talbot ist bekannt für seine intensiven und provokanten Texte sowie seine fesselnde Bühnenpräsenz, die oft von seinen Bandkollegen und dem Publikum unterstützt wird. Songs wie "Danny Nedelko", "Colossus" und "Grounds" sind nur einige Beispiele für die politisch aufgeladenen und Sozialkritischen Botschaften, die Idles in ihren Songs vermitteln. Das Konzert am 12. Juli verspricht also ein energetisches und intensives Erlebnis zu werden, das Fans von Idles nicht verpassen sollten. Noch wissen wir nicht welcher Act die Ehre haben wird als Support den Abend zu eröffnen, aber hoffentlich wird dieses Geheimnis bald gelüftet, denn wir sind schon gespannt wie ein Bogen, wer sich an diesem Abend die Bühne mit Idles teilen wird. Mit ihrem hingebungsvollen und einzigartigen Stil ist die Band eine der aufregendsten Live-Acts der heutigen Musikszene und wird sicherlich das Publikum in der Arena in Ekstase versetzen. Es wird ein Abend voller Energie, Emotionen und kraftvoller Musik erwartet, bei dem Idles einmal mehr beweisen werden, warum sie zu den besten Post-Punk Bands der Welt gehören. Leider ist das Konzert schon restlos ausverkauft, aber vielleicht ist es euch ein kleiner Trost, dass wir für euch einen ausführlichen Konzertbericht dieses Spektakels schreiben werden. LINKS ARCADIA LIVE & BARRACUDA MUSIC IDLES TICKETS FOR IDLES @ARENA WIEN Nailhead Magazine INSTAGRAM FACEBOOK TIKTOK Author: Manuel Krassnig Photos: Promotion Photo for IDLES Europe Tour !!WE DO NOT OWN THE PHOTO!!

29.11.2022 Rehearsal Room Session #12 | POTATO BEACH (Live) presented by Nailhead Magazine Imagine driving to the beach in a cadillac, the sun is burning your skin, the sweat is dripping down your face and spine, you can‘t wait to finally get into the sea to cool yourself down. Thats what we imagine Potato Beachs music would look like if you could see it! It‘s like all our dreams longing for hot weather, beach and sea are speaking through Potato Beachs music! A fresh breeze of wind slides through our hair, oh it‘s Potato Beach and oh we love it! We are lucky we got Potato Beach on video for our 12th rehearsal room session. Recorded live and one take at Potato Beachs Rehearsal Room in Vienna, Austria. Thanks for watching! POTATO BEACH LINKS Presented by Nailhead Magazine INSTAGRAM FACEBOOK YOUTUBE TIK TOK This Video is recorded on a Panasonic Mini DV Camcorder and on a JVC Memory Camcorder. Camera work: Constantin Jacobs Cut & Production: Constantin Jacobs

05.03.2023 Rehearsal Room Session #11 | CURB (Live) presented by Nailhead Magazine Curb is not a typical Pop Punk band because they really bring a fresh twist into the genre by not trying to be or sound like a specific band. They are just themselves and just doing what they love and what makes fun - in fact that's probably the key to their now unique sounding songs. Gabschi on the Drums, Eunice on bass and Lukas on the guitar are all doing vocals and there is´nt really a main vocalist! Curb is fun, Curb is cool! We are lucky we got Curb on video for our 11th rehearsal room session. Recorded live and one take at Curbs Rehearsal Room in Vienna, Austria. Thanks for watching! CURB LINKS Presented by Nailhead Magazine INSTAGRAM FACEBOOK YOUTUBE TIK TOK This Video is recorded on a Panasonic Mini DV Camcorder and on a JVC Memory Camcorder. Camera work: Constantin Jacobs Cut & Production: Constantin Jacobs

Nailhead Quickie #12 with Peter The Human Boy! We visited Peter The Human Boy outside their rehearsal room and asked them 5 quick questions! You can also follow the Nailhead Quickie video series on our Instagram, Facebook and YouTube. Hope you like it! Thanks for watching! 🖤 NAILHEAD MAGAZINE LINKS PETER THE HUMAN BOY LINKS Music: Peter The Human Boy - Nobody Needs To Be Lonely Video by Theresa Strohmer and Constantin Jacobs Cut by Constantin Jacobs

Peter The Human Boy ist wohl das Aushängeschild Wiens wenn es um Dreampop/Slowrock/Indie Rock geht. Der gebürtige Vorarlberger Peter Mathis ist seit geraumer Zeit einer der bekanntesten und beliebtesten Indie Rocker der lokalen Szene, denn mit seinem verträumten Sound hat er nicht nur bei uns in Österreich, sondern auch International an Bekanntheit gewonnen. Wir durften Peter The Human Boy exklusiv für euch interviewen und ihm einige interessante Fragen stellen. Nailhead Magazine: Hey Peter, danke dass du dir die Zeit nimmst für uns ein paar Fragen zu beantworten! Für alle, die dich noch nicht kennen sollten, stell dich doch mal kurz vor. Wer bist du und was machst du so? Peter: Mein Name ist Peter Mathis. Ich bin Songwriter und Produzent aus Vorarlberg, lebe seit 6 Jahren in Wien und mache Musik unter dem Namen Peter The Human Boy. In meiner Liveband singe ich und spiel Gitarre. Daneben bin ich als Schlagzeuger und Bassist in anderen Projekten. Nailhead Magazine: Fangen wir mal ganz vorne an, wie lange machst du denn schon Musik und wie bist du zum Musizieren gekommen? Peter: Das hat vermutlich mit dem Tag begonnen, als mein Papa mit mir in die Musikkapelle meines Heimatdorfes gegangen ist. Da war ich 7. Er war mit dem Obmann befreundet und die beiden haben gemeint ich soll mich einfach mal hinsetzen wo es mir am besten gefällt. So bin ich schlussendlich beim Schlagzeug gelandet. Das war ein guter Move von meinem Papa und ich bin ihm sehr dankbar dafür. Er hat viel Cat Stevens und Queen gehört, was mich sicher auch geprägt hat. Meine Mama fast ausschließlich Elvis. In der Hauptschule hab ich dann angefangen Gitarre zu lernen und hatte bald darauf meine erste Punk/Garage Band. Danach folgten verschiedenste Bandprojekte, von Stoner Rock über Blues bis zu einem experimentierfreudigen Funk/Jazz/Dubstep Quintett (LOL) und einer Indie-Pop Band, die es in kürzester Zeit auf die Hauptbühne des Frequency Festivals geschafft hat, was der Band schlussendlich nicht unbedingt gut getan hat. Während sich das aufgelöst hat, bin ich nach Wien gezogen und hab mich dort erstmals so richtig mit meinen eigenen Songs und meiner Stimme auseinandergesetzt und schlussendlich ein Solo-Projekt gestartet. Nailhead Magazine: In einigen Artikeln liest man über deine Musik immer wieder die Begriffe Indie Rock und Slowrock. Wie würdest du deine Musik selber beschreiben? Peter: Das Wort Indie ist heute zwar schon eine durchgelaufene Schuhsole aber es stört mich nicht, wenn ich in diese Schublade gesteckt werde. Den Begriff Slow Rock hab ich selbst schon oft verwendet. Ich schätze, ich hab einfach einen Hang zur Langsamkeit. Das lässt mehr Raum für Details. Ich glaube, dass es bei dem Wort Slow für mich aber mehr um eine Suche nach Erdung und Geborgenheit geht, als um ein Tempo. Ansonsten tue mir schwer meine Musik in ein Genre zu packen, was glaub ich normal ist, aber ich habe definitiv einen Sound entwickelt, der sich Bedroom-Pop, Slacker Rock, Indie-Schiene zuordnen lässt. Vieles davon kommt sicher von den Instrumenten, die ich verwende. Ich spiel gern alte Synths, super trockene Drums und hab eine Schwäche für Recording Equipment mit viel Charakter und Eigenwillen wie z.B. meine Bandmaschine, die mehr Probleme als Aufnahmen macht, haha. Nailhead Magazine: Deine Songs wirken gut durchdacht und strukturiert. Wie sieht das bei dir aus, wenn du ein neues Lied schreibst? Gehst du nach Plan vor oder lässt du es einfach geschehen? Peter: Ich versuche so viel wie möglich geschehen zu lassen. Für mich ist Songwriting immer eine Suche nach Wahrheit, die dir niemand liefern kann außer dir selbst, eine wunderbare Art sich selber besser kennen zu lernen und zu verstehen. Ich habe dafür keine Formel entwickelt aber ich hab gelernt, dass es wichtig ist zuzuhören, ohne zu urteilen oder zu versuchen den Outcome irgendwie zu kontrollieren. Ich glaube definitiv an die „Zone“, den Zeitrahmen in dem dein Unterbewusstsein etwas verarbeiten will und da entsteht im besten Fall die Essenz eines Songs. Der Rest ist dann eine Frage von Arrangement und Produktion. Wenn ich davor aber nicht spüre, dass ein Song irgendetwas mit mir macht, schreib ich ihn auch nicht fertig. Nailhead Magazine: Bis jetzt hast du 2 Alben veröffentlicht, zuletzt 2022 "Stranger´s Life“ und 2019 "Goodbye Summer". Was waren die größten Unterschiede im Entstehungsprozess von den beiden Alben? Peter: Mein erstes Album war ursprünglich nur eine Challenge an mich selbst. Ich wollte einfach sehen ob ich alleine ein Album machen kann und wie das wohl klingen würde. Dabei hatte ich noch nicht ernsthaft an einen Namen oder eine Band gedacht. Ich musste noch viel über Recording und Mixing lernen bis ich die Songs in meinem WG Zimmer halbwegs so hinbekommen habe wie ich es im Kopf hatte aber es hat unendlich viel Spaß gemacht. Schlussendlich ist Goodbye Summer ein Lebewohl an meine unbeschwerte Jugend in Vorarlberg geworden. Beim zweiten Album hab ich viel mit Tape gearbeitet, damit wieder eine Challenge da war, haha. Stranger’s Life ist für mich ein sehr buntes Album geworden, auf dem ich mich erstmals auch mit schwereren Themen auseinandergesetzt habe. Vieles davon ist über den Zeitraum von zwei Monaten in einem renovierten Bauernhof im Burgenland entstanden, weil ich zu der Zeit in Wien keine Möglichkeit hatte in Ruhe aufzunehmen und ich mich nach einem Ortswechsel gesehnt hab. Die meiste Zeit war ich also alleine in diesem 20 Einwohner Dorf ohne Handyempfang und musste 3/4h zum nächsten Markt radeln. Das war eine interessante Erfahrung und ich kann mir gut vorstellen sowas nochmal zu machen, vielleicht mit nicht ganz so viel Alonetime, haha. Nailhead Magazine: Bei der Single „Waiting for a Sign“ hast du ein Feature mit Joe Traxler, wie ist die Collaboration mit ihm zustande gekommen? Hast du in Zukunft vor noch mal mit anderen Musiker*innen zusammenzuarbeiten? Peter: Ich hab Joe nur flüchtig gekannt, bevor er mich angeschrieben hat aber ich war schon länger Fan von seiner Musik. Ich war etwas überrascht, als er mich gefragt hat ob wir zusammen einen Song machen wollen. Ich dachte mir nur, Joe ist ein zehnmal besserer Musiker als ich, wie soll das funktionieren, haha, aber irgendwann hab ich auch verstanden dass das keine Rolle spielt. Wir haben ein bisschen gejammt und schlussendlich eine alte Songidee von mir aufgegriffen und gemeinsam fertig geschrieben. Wir haben zusammen Drums und Bass getrackt, ich am Schlagzeug, Joe am Bass und dann abwechselnd die anderen Sachen eingespielt. Es war sehr spannend für mich zu sehen wie wir beide in verschiedenen Phasen der Produktion perfektionistisch waren und uns dann gegenseitig gedrängt haben es jetzt mal gut sein zu lassen. Ich hab auf jeden Fall Lust wieder mit anderen KünstlerInnen zu kollaborieren. Ich glaube, es braucht nur das richtige Timing und den richtigen Song, dann kann nicht viel schief gehen. Nailhead Magazine: Du schreibst und produzierst deine Songs meistens selber, gehört diese DIY Attitude einfach zu dir oder möchtest du deine Songs und Ideen ungern aus der Hand geben? Peter: Das kommt auf das Projekt an. Peter The Human Boy ist mein musikalischer Rückzugsort, eine Art persönliches Tagebuch, in dem ich mich so ehrlich wie ich es nur kann mit mir selbst auseinandersetze. Dabei will ich von niemandem abhängig sein. Dafür habe ich schon zu viele Bandprojekte auseinandergehen sehen. Außerdem macht es mir zu viel Spaß, selber an den Knöpfen zu drehen, neues auszuprobieren und besser im Produzieren zu werden. Grundsätzlich liebe ich es mit anderen Menschen Musik zu machen und auch in anderen Bands zu spielen. Ich schätze es aber, ein Projekt zu haben, das meine Handschrift trägt und bei dem ich mich fürs Wesentliche auf niemanden verlassen muss. Nailhead Magazine: Hast du einen oder mehrere Lieblingssongs von deinen Veröffentlichungen? Peter: Ich habe keine absoluten Favorites, aber ich mag bestimmte Sachen an den manchen Songs mehr als an anderen. Ich liebe z.B. wie Don’t Cry oder Strange Times auf Platte klingt. Dafür finde ich das Arrangement von Maybe Baby und This Kind Of Love sehr gelungen. Bei Konzerten ist Getting Along Too Well einer meiner Lieblingssongs, die Aufnahme finde ich aber schrecklich. Grundsätzlich nerven mich alle meine Songs ungeheuer aber ich glaube das ist ziemlich normal, wenn man sie oft gehört und gespielt hat. Nailhead Magazine: Wie denkst du, würden dich deine Bandkollegen beschreiben? Peter: Puh, das ist eine schwierige Frage. Ich schätze mal sie würden sagen, dass ich mich gerne mit unnötigen Details beschäftige. Damit hätten sie sicher nicht unrecht aber ich glaub es wird besser. Unsere Keyboarderin Erika merkt am schnellsten wenn ich hangry bin, weil Hunger bei mir leider eine echt krasse Persönlichkeitswandlung auslöst. Ich schwöre, eigentlich bin ich ganz lieb, haha. Nailhead Magazine: Gibt es einen oder mehrere Musiker*innen, aus dem Genre in dem du dich bewegst, die du bewunderst oder eine Inspiration für dich sind? Peter: Unkown Mortal Orchestra, Mac Demarco, Weyes Blood, Tame Impala, Mild High Club, King Gizzard, Courtney Barnett, Michael Rault und Vulfpeck sind alles aktuelle KünstlerInnen, die ich definitiv bewundere und von denen ich viel lernen konnte. Es gibt aber auch genug lokale Acts z.B. Bilderbuch, Good Wilson und Leyya, die mich inspirieren. Abgesehen davon höre ich am liebsten Musik aus den 60ern und 70ern. Ich weiß nicht an was es liegt, dass der Sound von modernen Produktionen mich selten so mitreißt wie 50 Jahre alte Motown Platten. Ich mags wahrscheinlich einfach, wenn ich das Gefühl habe, ich kann den MusikerInnen beim aufnehmen zuhören, den Raum, das Bandrauschen und alles was dazugehört. Nailhead Magazine: Deine Musik hab ich das erste Mal 2019 gehört als mir dein erstes Album „Goodbye Summer“ plötzlich auf YouTube vorgeschlagen wurde. Deine Musik gefiel mir richtig gut und ich war der festen Überzeugung, dass du aus den Vereinigten Staaten sein musst. Dein Sound ist so International, hast du schon mal an eine USA oder England Tour gedacht? Du hättest dort bestimmt auch großen Zuspruch für deine Musik. Peter: Es gibt tatsächlich einige HörerInnen aus den USA. Ich schätze, das kommt durch die Playlists und Uploads von kleinen internationalen Blogs und Labels. Ich wusste lange nichts von diesem einen Upload vom Album auf YouTube und ich hab mich gewundert, warum plötzlich Menschen aus Thailand und den USA meine Platte bestellen. Das hat mir auf jeden Fall geholfen neues Publikum zu finden aber eine Tour in England oder Amerika trau ich mir deswegen nicht zu, haha. Nailhead Magazine: Zum Schluss wieder eine meiner Lieblingsfragen. Was sind deine musikalischen Pläne für die Zukunft? Schreibst du schon an ein paar neuen Songs? Peter: Ich schreibe auf jeden Fall neue Songs. 2022 war eines der emotional turbulentesten und anstrengendsten Jahre meines Lebens und ich habe dabei viel neues über verschiedene Arten von Liebe und Beziehungen gelernt. Deshalb wird sich das nächste Album viel um dieses Thema drehen. Momentan arbeite ich an den Demos. Mit der Band spiel ich im Frühling eine zweieinhalbwöchige Tour in Österreich und Deutschland. Darauf freuen wir uns schon sehr. Nailhead Magazine: Vielen Dank für deine Zeit und das Interview! Peter The Human Boy Tourdates: APR 28 - KLAGENFURT, Hafenstadt APR 29 - WIEN, B72 MAY 03 - KÖLN, Yard Club MAY 04 - HAMBURG, Mikropol MAY 05 - CHEMNITZ, Weltecho MAY 06 - LEIPZIG, Noch Besser Leben MAY 07 - OFFENBACH, Hafen 2 MAY 08 - AACHEN, Franz MAY 11 - ESSLINGEN, Dieselstrasse MAY 12 - DORTMUND, Etepetete Festival MAY 13 - ULM, GOLD MAY 20 - WIEN, Nailhead Fest #2 LINKS PETER THE HUMAN BOY GIVE US A FOLLOW NAILHEAD MAGAZINE Interviewer: Constantin Jacobs Photos: Graphic by Constantin Jacobs -> Original by Luca Celine / Rest of the photos also by Luca Celine